Chaos, Kunst und Algorithmen (Digitale Kunst) - Exponate
Die vorgestellten Werke sind abgeschlossene und ausgestellte Arbeiten als limitierte/unlimitierte Auflagen oder Unikate.
Zur besseren Ansicht empfehle ich, einzelne Bildvorschauen herunterzuladen (kleines Symbol unten rechts im jeweiligen Bild) und lokal zu betrachten. Die Auflösung entspricht dann HD (Lange Seite 1280 Pixel).
Andere Formate als beim Motiv angegeben sind möglich, sofern das Seitenverhältnis gleich bleibt (d.h. beispielsweise anstatt 60x40cm sind auch 90x60cm und 120x80cm möglich).
An der Gestaltung der Bilder ist keine KI beteiligt. Sie beruhen ausschließlich auf selbstentwickelten Algorithmen. Lediglich einige Bildbeschreibungen sind mit Unterstützung einer KI entstanden.
„Albtraum“ entfaltet ein Geflecht aus dunklen, ineinanderstürzenden Formen. In Schwarz- und Grautönen verschieben sich Ebenen wie fragile Membranen, die keinen festen Halt bieten. Licht gleitet nur schwach über die Flächen und verliert sich im Zentrum, wo Tiefe zur Bedrohung wird. Der Schnitt durch Raumzeit wirkt hier zerrissen – ein stilles, beklemmendes Echo innerer Unruhe.
Dieses Werk ist pure Flugkraft. Wie ein „glücklicher Gedanke“, den man braucht, um mit Feenstaub abzuheben, pulsiert hier ein leuchtendes Zentrum aus weißem Licht und zärtlichem Magenta. Die geschwungenen, elektrisierenden Linien in Cyan und Kobaltblau wirken wie die Pfade durch den Sternenhimmel – direkt auf den „zweiten Stern rechts“ zu. Ein visuelles Ausrufezeichen für die Unschuld und die grenzenlose Fantasie der Kindheit.
„Feuer aus Glut“ explodiert in intensiven Spektralfarben. Leuchtendes Gelb, Rot und Neonfarben verschmelzen zu einer pulsierenden Form, die wie ein energetischer Kern wirkt. Die Raumzeit erscheint hier aufgeladen, fast eruptiv – ein Moment zwischen Verdichtung und Ausbruch, in dem Hitze, Bewegung und Licht untrennbar ineinander übergehen.
„Farben der Karibik“ leuchtet wie ein eingefrorener Atemzug über dem Meer vor Antigua. Türkis, Aquamarin und warmes Orange fließen ineinander wie Licht auf Wasser. Kugeln und Bögen überlagern sich, als würden Wellen und Himmel zugleich sichtbar. In der Mitte ruht eine schimmernde Form – ein stiller Tropfen, der das Glühen der See in sich sammelt.
Schillernde Bögen in Blau, Grün und Mandarinorange wölben sich zu einem Strudel, der Raum und Zeit ineinander verschränkt. Wie das Gefieder einer Mandarinente tragen die Farben die Bewegung, während vierdimensionale Rauzeitwellen sichtbar werden. Die Formen folgen Einsteins Gesetzen: Gravitation als Geometrie, elegant, präzise und lebendig.
„Spore“ wirkt wie ein stiller Abdruck aus einer fremden Dimension. In Schwarz und Weiß formen sich weiche, ineinanderfließende Strukturen zu einer kugelähnlichen Gestalt, eingebettet in geschwungene Bahnen. Licht und Schatten modellieren die Oberfläche wie eine tastbare Welle. Es ist ein Moment, eingefroren im Schnitt durch vierdimensionale Raumzeit – reduziert, ruhig, und doch voller innerer Bewegung.
Rhapsodie in Violett ist eine Farbsymphonie, die Einsteins vierdimensionale Raumzeit visualisiert. Ein leuchtender violetter Kreis schwebt als Ereignishorizont im Zentrum, umgeben von Verläufen in Smaragdgrün und feurigem Rot. Diese geometrische Komposition macht das Verschmelzen von Zeit und Raum spürbar. Zufällige Farben erzeugen eine kosmische Tiefe – ein meditativer Tanz aus Licht und Musik.
Das Bild zeigt eine beinahe meditative Konstellation: ein heller, schwebender Körper, umfangen von warmen Rottönen, metallischem Gold und tiefen Schatten. Die Farben der Goldwespe – glänzend, kostbar, zugleich warnend – verleihen der Komposition eine stille Intensität. Nichts drängt, alles zieht.
In dieser Ruhe entfalten sich vierdimensionale Rauzeitwellen, nicht als dramatischer Bruch, sondern als langsames Nachgeben der Geometrie. Die Raumzeit senkt sich, bildet eine Mulde, einen Übergang, in dem sich Masse und Struktur begegnen. Einsteins Gesetze wirken hier wie ein leiser Atem: Gravitation als Form, nicht als Kraft, als sanfte Verformung des Kontinuums.
Das Dunkel im Zentrum deutet Tiefe an, vielleicht Erinnerung, vielleicht Zukunft. Licht fließt darüber hinweg, ohne es aufzulösen. So verbindet das Werk physikalische Präzision mit poetischer Offenheit. Es lädt ein, die Raumzeit nicht zu verstehen, sondern ihr zu lauschen – im goldenen Schweigen der Ordnung.
„Herbstmorgen“ schwebt in gedämpften, erdigen Tönen zwischen Rosa, Grau und Grün. Sanfte Wellen legen sich übereinander wie Nebelschichten über einer Landschaft. Eine helle, kuppelartige Form erhebt sich am Horizont – wie eine aufgehende Sonne im Stillstand der Zeit. Der Schnitt durch Raumzeit wirkt ruhig und getragen, als atme der Morgen selbst in langsamen, weichen Bewegungen.
„Schattenwelt“ erhebt sich wie ein dunkler Himmelskörper über einem spiegelnden Horizont. Tiefes Nachtblau und das leuchtende Rot eines Gimpels durchziehen die Szene in klaren Konturen. Die Kugel scheint auf einer fließenden Fläche zu schweben, ihr Glühen spiegelt sich darunter wie ein verborgenes Echo. Licht und Schatten berühren sich an einer feinen Linie – ein stiller Übergang zwischen sichtbarer und verborgener Dimension.
Am Nordseestrand entstand diese Bild im Juli 2012. Die Sonne brandet als Fraktal in den Farben der Fotografie rund um die abendliche Stimmung und rahmt die romantische Szenerie vor ihrem Gang hinter den Horizont.
Zu einem wahren Spiegel der Träume macht die unaufdringlich eingebettete Grafik diesen Sonnenuntergang über der Nordsee. Kaum erkennbar sind die Übergänge zwischen Traum und Wirklichkeit, die über Brandung und Watt nahtlos miteinander verschmelzen.
Die Aufnahme entstand im Juli 2012 bei De Haan an der belgischen Küste.
Rotkelchenblues entfaltet eine stille, farbige Melancholie. Von allen Seiten strömen die sanften und intensiven Töne eines Rotkelchens ins Zentrum, verschmelzen zu einem harmonischen Ganzen und erzeugen eine fast meditative Tiefe. Die lebendige Komposition lädt ein zum Verweilen und Versinken – wie beim Blick ins flackernde Licht eines Feuers. Ein Werk, das die Sprache der Fraktale mit emotionalem Ausdruck verbindet – typisch für Siegfried Genreiths Handschrift.
In der Grafik „Windspiel“ verschmelzen Tradition und digitale Fragmentierung zu einer luftigen Komposition. Das Werk basiert auf einer Fotografie der historischen Windmühlen bei Kinderdijk, löst deren statische Monumentalität jedoch zugunsten einer spielerischen Bewegung auf.
Die charakteristischen Silhouetten der Mühlen und das satte Grün der Ufervegetation scheinen sich in filigranen, sternförmigen Fraktalen aufzulösen. Diese geometrischen Ausläufer greifen wie Windräder in den neutralen, hellgrauen Hintergrund aus und erzeugen so eine visuelle Entsprechung zum unsichtbaren Element des Windes. Die Grafik bewahrt die natürliche Farbpalette der ursprünglichen Aufnahme, setzt sie aber in einen völlig neuen Kontext: Das massive Mauerwerk und die hölzernen Flügel wirken in dieser Darstellung fast organisch, als wären sie Teil einer botanischen Struktur.
„Windspiel“ ist eine Hommage an die Symbiose aus Technik und Natur. Es bricht mit der Erwartungshaltung einer klassischen Landschaftsaufnahme und lädt den Betrachter ein, die Harmonie von Kinderdijk als ein flüchtiges, fragiles Geflecht aus Form und Farbe neu zu entdecken.
Der Leuchtturm von Lindau am Bodensee bietet die Kulisse für die Abendstimmung, eingewoben in eine fraktale Grafik aus den Farben der Fotografie vom Oktober 2019.
Selbst die Sonne scheint in den Farben der Besenheide bei Brunssum in den Niederlanden. So verschmilzt der Himmel harmonisch mit einer wunderschönen Spätsommerlandschaft im August 2019.
Gänseblümchen auf einer Wiese suchen sich aus einem schier unentwirrbaren Knäuel fraktaler Strukturen zu befreien.
Die Aufnahme entstand im April 2011 unmittelbar vor dem ersten Rasenschnitt in Belgien.
„Abendstimmung“ vereint Fotografie und digitale Transformation zu einer Komposition voller Wärme und Sehnsucht. Die untergehende Sonne über dem Meer strahlt in intensiven Farben, die sich in fraktalen Strahlen über den Himmel ergießen. Eine einzelne Figur am Strand wirkt wie ein stiller Beobachter dieser erhabenen Szenerie. Das Werk verwandelt die reale Küstenlandschaft in einen imaginären Ort, der zwischen Traum und Wirklichkeit schwebt.
Die Kreidefelsen bei Dover bilden den Hintergrund dieser Arbeit, eingerahmt von einem Fraktal in der Form einer Brandungswelle.
Die Farben der Grafik sind dem Bild vom Oktober 2005 entnommen und fügen sich auf natürliche Weise in die Gesamtkomposition ein.
In „Goldwespe“ offenbart Siegfried Genreith die verborgene Schönheit mathematischer Strukturen, die hier in ein farbgewaltiges Arrangement münden. Die irisierenden Töne der Goldwespe – metallisch schimmerndes Blau, glühendes Rot, tiefes Schwarz – verflechten sich zu einem dynamischen Geflecht von Wellenfronten. Es scheint, als würden Raum und Zeit selbst in Strudeln aufbrechen, um neue Horizonte zu eröffnen. Der Betrachter sieht sich einer Vision gegenüber, in der vertraute Realitäten an ihre Grenzen stoßen und das Ungewisse hinter ihnen hervortritt. Jede Linie, jede Schwingung verweist auf die Frage, wie viele Horizonte man überschreiten muss, um die tieferen Dimensionen von Farbe und Form zu erfahren. Noch ruht der Beobachter – doch der Moment des Aufbruchs ist nah. Mit Lichtgeschwindigkeit könnte er sich in Bewegung setzen, und im Fluss dieser Reise verbinden sich Raum und Zeit zu einem neuen, geheimnisvollen Kontinuum.